Robert B. Brandom, Reason in Philosophy. Animating Ideas, Belknap Harvard, 2011

El inferencialismo defendido por Robert Brandom es una de las articulaciones filosóficas más convincentes de los viejos problemas de la teoría filosófica del conocimiento. Su posición ha de encuadrarse dentro de un pragmatismo heredero de Kant, Hegel, Peirce, Wittgenstein y Sellars que converge con el “pragmatismo kantiano” del último Habermas. Su análisis antidogmático y antipositivista de las prácticas de pedir y dar razones es perfectamente trasladable a nuestra práctica como teóricos y críticos del arte. Sin embargo, si lo que interesa es alguna aclaración sobre el arte como forma de conocimiento este discurso filosófico nada tiene que decir y resulta perfectamente prescindible.

Christoph Menke & Juliane Rebenteisch (eds.), Kreation und Depression. Freiheit im gegenwärtigen Kapitalismus, Berlín: Kadmos, 2010.

Colaboran en el volumen Luc Boltanski , Ulrich Bröckling, Ève Chiapello, Gilles Deleuze, Diedrich Diederichsen, Alain Ehrenberg, Carl Hegemann, Tom Holert, Axel Honneth, Michael Makropoulos, Christoph Menke, Robert Pfaller, René Pollesch, Juliane Rebentisch, Andreas Reckwitz und Dieter Thomä

Eigenverantwortung, Initiative, Flexibilität, Beweglichkeit, Kreativität sind die heute entscheidenden gesellschaftlichen Forderungen, die die Individuen zu erfüllen haben, um an der Gesellschaft teilnehmen zu können. Sie haben das alte Disziplinarmodell der Gesellschaft ersetzt, ohne dabei freilich die Disziplin abzuschaffen. An die Stelle einer Normierung des Subjekts nach gesellschaftlich vorgegebenen Rollenbildern ist der unter dem Zeichen des Wettbewerbs stehende Zwang zur kreativen Selbstverwirklichung getreten. Es scheint, dass sich Einstellungen und Lebensweisen, die einmal einen qualitativen Freiheitsgewinn versprachen, inzwischen so mit der aktuellen Gestalt des Kapitalismus verbunden haben, dass daraus neue Formen von sozialer Herrschaft und Entfremdung entstanden sind. Innere Leere, gefühlte Minderwertigkeit, Antriebsschwäche scheinen die Kehrseite der Erwartung zu sein, die Einzelnen mögen sich – unabhängig von ihren jeweiligen sozialen Voraussetzungen – in der Teilnahme am gesellschaftlichen Reproduktionsprozess zugleich flexibel und kreativ selbst verwirklichen. Durch diese Entwicklung ist insbesondere ein Verständnis menschlicher Freiheit in die Krise geraten, das sich aus Erfahrungen und Figuren des Ästhetischen speist: Aus der Perspektive der aktuellen Gesellschaftskritik ist die individualistische Auflehnung gegen das soziale Gesetz nach dem Modell der »Künstlerkritik« (Chiapello) heute ebenso problematisch wie die romantische Tradition, in der sie steht. Aber wie verhalten sich die aktuellen gesellschaftlichen Entwicklungen tatsächlich zu diesen ästhetischen Modellen und Traditionen der Kritik? Der Band widmet sich dem Stand ästhetischer Freiheit aus soziologischer, philosophischer, kulturtheoretischer und historischer Perspektive.

Salvador Rubio Marco, Como si lo estuviera viendo (El recuerdo en imágenes), Madrid:  Machado, 2010.

En el caso de la imagen mnemónica, tenemos primero la tentación de pensarla como una huella "perceptiva" (almacenada en y recuperada por nuestra cabeza, no se sabe muy bien cómo) que funciona por pura "correspondencia" con aquello a lo que remite (modelo de la memoria como depósito). Luego tenemos la tentación de pensarla, al contrario, como un mero signo construido, cuya vinculación con lo que representa es meramente convencional y que funciona por mera "coherencia" con lo que "conocemos". La primera tentación es, claramente, la de la imagen mnemónica como una fotografía del pasado, si subrayamos la relación indicial (como huella) de dicho dispositivo iconográfico que la liga a la realidad que representa. La segunda tentación podría estar igualmente metaforizada por la fotografía si subrayamos lo que ésta tiene de construida (o de símbolo: su cromatismo artificial, la perspectiva renacentista incorporada, la convención del encuadre, etc.) Pero si creemos a Wittgenstein cuando dice que la imagen mnemónica no es como una fotografía, estamos aceptando que ambas tentaciones conducen a una idea errónea (o al menos incompleta) de la naturaleza y funcionamiento de la misma.

Costas Douzinas & Slavoj Žižek (eds.), The Idea of Communism, Londres y NY: Verso, 2010.

An all-star cast of radical intellectuals discuss the continued importance of communism.

“Separating the promise of communism from the disasters of the twentieth century is no easy task. But it feels necessary. Already we know that choices will have to be made and sides taken. Impending ecological disaster suggests that this could be our last chance to do so. If another world is possible, it will happen in action, not abstract theory. The first choice is very simple: to begin.”—The Guardian
Contributors Slavoj Zizek, Alain Badiou, Antoni Negri, Michael Hardt, Jacques Rancière, Terry Eagleton, Jean-Luc Nancy, Susan Buck-Morss, Bruno Bosteels, Peter Hallward, Alberto Toscano, Wang Hui and others took part in a landmark conference in London on the idea of communism in 2009. This volume brings together their discussions on the philosophical and political import of the communist idea, highlighting both its continuing significance and the need to reconfigure the concept within a world marked by havoc and crisis.

Anna María Guasch, Arte y archivo, 1920-2010. Genealogías, tipologías y discontinuidades, Madrid: Akal, 2011.

El arte de las primeras vanguardias se suele analizar bajo dos grandes «paradigmas»: el de la obra única, cuyo carácter de singularidad deriva de la ruptura formal y del efecto shock, y el de la multiplicidad, dominado por la discontinuidad del espacio-soporte. Pero hay un «tercer paradigma» generalmente olvidado, el del archivo. A su estudio se ha dedicado este libro, en el que se analizan sus fuentes, sus precedentes, su desarrollo y sus principales ejemplos a lo largo del siglo XX y los del XXI, ocupándose del trabajo de los artistas visuales que registran, coleccionan, almacenan o crean imágenes que, «archivadas», han devenido inventarios, tesauros, atlas o álbumes. Artistas que se valen del archivo como un nexo entre la memoria y la escritura, como un territorio fértil para todo escrutinio teórico e histórico, o como un lugar para reconstruir visiones utópicas.

Inma Álvarez, Héctor J. Pérez and Francisca Pérez-Carreño (eds.), Expression in the Performing Arts, Cambridge Scholars, 2010.

The performing arts represent a significant part of the artistic production in our culture. Correspondingly the fields of drama, film, music, opera, dance and performance studies are expanding. However, these arts remain an underexplored territory for aesthetics and the philosophy of art. Expression in the Performing Arts tries to contribute to this area. The volume collects essays written by international scholars who address a variety of themes concerning the core philosophical topic of expression in the theory of the performing arts.

Specific questions about the ontology of art, the nature of the performances, the role of the performer, and the relations between spectators and works emerge from the study of the performing arts. Besides, these arts challenge the unchanging physicality of other kinds of works of art, usually the direct result of creative individual artist, and barely affected by the particular circumstances of their exhibition. Expression is one of the issues that adopt a special character in the performing arts. Do singers, dancers or actors express the feelings a work is expressive of? How does the performer contribute to the expressive content of the work? How does the spectator emotionally respond to the physical proximity of the performers? Is aesthetic distance avoided in the understanding of the performing arts? How are the expressive properties of work, performance and characters related? And how are the subjectivities they embody revealed? The contributions presented here are not all in agreement on the right answers to theses questions, but they offer a critical and exciting discussion of them.

In addition to original proposals on the theoretical aspect of expression in the performing arts, the collection includes analyses of individual artists, historical productions and concrete works of art, as well as reflections on performative practice.